对《色戒》结构均衡性上的疑问（二）

另一个感觉没有充分利用的角色，是横在王佳芝与易先生之间，似乎早已觉察他们的不伦关系的牌友马太太。Shirlie之前一直在讲对手戏中的抛戏和接戏，好的对手戏应该是抛戏和接戏对称性发展、各近完美的表演。但比较遗憾的是，在《色戒》电影里面，无论是王佳芝还是易先生都没有对马太太的挑衅作出直接的回应，留下了好几个抛而不接的空位。

第一个这样的位置是在电影开始时的麻将戏中。易先生进屋，对王佳芝使了个眼色，然后王佳芝借故要离开。正在兴头上的众太太自然不会轻易放她走，于是王佳芝便让易先生代打。但易先生推说没空，马太太就接了一句，“我就知道易先生不会有工夫”。

　　原著里面，张爱玲有交待，佳芝心里嘀咕，是马太太话里有话，还是她神经过敏？可见她是顾忌这个对她带有敌意的官太的。易太太只是摆出东道的霸气，对王佳芝多有使唤，让她抽不出身。但马太太却是认为王佳芝的出现抢了她的人气而不怀好意地审视佳芝的一举一动。

但在电影里面，佳芝的这种忧虑没有直接的反应。她下了麻将桌就匆匆上楼收拾东西，没怎么咀嚼马太太的言外之音。其实这个位置上，镜头稍微停顿，补抓佳芝的疑虑表情，既能完成抛戏和接戏上的对称，同时也加重对她的紧张心情的渲染，为后面剑拔弩张的暗杀一幕作准备。现在的麻将戏感觉只是一个序幕和体现王佳芝的谦卑，但王佳芝在易宅要接受怎样的压力和屈辱，并没有从这一幕做出很真切地反映，未免让这一个精心设计的“戒指博览会”有点流于表面。当然，我这样觉得可能是因为不太理解官太们那些牌语，事关我是不会打麻将的，

 但在牌语之外，王佳芝也是言语和表情拘谨，没有太大的表现。

如果这个戏位上无回应是不想破坏电影的节奏和节外生枝，那后面另一个马太太明显抛戏的位置继续没有回应就未免责无旁贷了。那是在王易首次交欢之后，惊魂未定的王佳芝跟一帮官太去茶馆喝茶听书，恰好碰到易先生。刚见识过易先生的暴戾，此时的王佳芝自然有点像惊弓之鸟，眉目中表现出一点六神无主。眼尖的马太太自然不会错过，她便借听书进行旁敲侧击。她先是问王佳芝是否听得懂苏州话。王佳芝说听得懂，只是到了香港后很少有机会听书了。马太太马上逮个正着，一语相关地反问，你现在不是回来了吗？然后眼神暧昧地审视着王佳芝的反应。其实在这个时刻，如果镜头逆转角度，拍向另一侧的王佳芝和同席的易先生，就可以将王佳芝如坐针毡、易先生不动声色的一瞬捕抓下来。但遗憾的是，镜头竟然只是在马太太面上停了两三秒就转到下一幕，马太太抛出的球再次没有回应就匆匆谢幕。这样交待人物关系发展的文戏都只抛不接，恐怕只能被认为是结构松散的又一个空位。

（未完待续）

So many loose Threads? 我对《色戒》结构均衡性上的疑问（一）

很遗憾地，因为发行商太低估新加坡观众的接受能力，竟然将在中国发行的老少咸宜版《色戒》提交给新加坡的评审机构，形成现在这个竟然16岁未成年人都可以看《色戒》的可笑局面。很多人都反映会罢看《色戒》以示对发行商无视观众要求的做法。不过为了不跟网友脱节，我昨晚还是非常心有不甘地去看《色戒》的预演场。

不过失去那三场焦点所在的激情戏，反过来讲可以有助我更集中关注这三场戏以外147分钟的剧情铺排和人物塑造，虽然那三场戏刚入高潮就被cut确实让人看得很光火。

但除去这三场戏，这个147分钟的版本仍是一个完整的故事，也可以从中检阅李安作为导演布局谋篇的功力。《断背山》作为同样情欲泛滥的同志题材，却没有太多血肉淋漓的激情镜头，但同样让观众凄然泪下。毕竟情感羁绊除了在床上的爆发性展现，床下的眉目传情、鬓角相摩和十指相扣同样可以精确地体现剪不断、理还乱，每每摄人心魂的蘖缘。所以147分钟的文戏和10分钟的激情武戏哪个更重要？我觉得两者都不可或缺。

《断背山》之所以让人觉得如此完美，是因为李安除了处理两个主角的情感交融上丝丝入扣之外，他还将两人所处的社会环境对延续两人十多年情思的助推力作用反映得非常完整和细腻。写Ennis营营役役、一盘死水的生活，就从职场、育儿、邻里、家务、房事各个方面去描述生活和社会处处让他感到压抑、失望和无奈，生活越是要求他忍耐和接受，断背山的梦想便越显得清晰和放大；而Jack方面，虽然经济环境没有Ennis的窘迫，但岳父的鄙视、妻子的冷观、孩子的无视令到衣食无忧的他生活中却没有什么满足感可言。两人中下的情根便在外界的催化下迅速滋长、而且连绵不绝。

《断背山》这种全景式的布局，将抽象的情愫通过两个主人公跟周边人与事的互动而脉络分明地展现在观众面前，令到观众产生一种感觉，两人从来没有在对方的生活中缺席过，两个人的关系也是定义和塑造两个人各自的行为和对外界做出的反应的最根本原因。所以，虽然电影不像《色戒》那样镜头对准两个主角，而是用了很多篇幅去布局两个主角的人际环境，但这些间接的描写却直接点染出那份无从拥有、却从没间断的永恒羁绊。

《色戒》比起《断背山》有更广阔的社会背景。虽然故事同样是关于两个人的禁断之恋，但因为涉及到抗日，牵连到庞大的特务机关和众多关系者，即便两个主人公是无可替代的焦点，但周边的角色和环境也绝不应该是陪衬和简单的布景。

跟《断背山》较不同的是，《色戒》的重中之重不是人际关系、而是暗杀计划的主线，以为这条主线将两班人的命运牵连到一起，再有就是因为这条主线衍生的王易蘖缘。虽然不一定需要《断背山》那样注重ambience的布局，但《色戒》中同样庞大的人物群对于角色的塑造同样应该具有相当分量。除了王易两人的对手戏互动，他们跟其他角色的对手戏也可以反映出角色的不同侧面。

但相对而言，我觉得《色戒》在配角的运用上没有《断背山》的完美，起码有两到三个角色我觉得没有运用到他们的功用就从主线中被剔除。这样的处理也令到电影中出现不少空位。

第一个这样的角色是王佳芝学生时期的好友赖秀金。这个角色在原著中只闻其名，但只是路人甲乙丙性质，没对白、没容貌描写，跟一出场就先声夺人的易太太、马太太的重要性难以同日而语。但这样一个无声角色在电影中却被大大突出。香港篇一开首，王佳芝还只言未发，赖秀金已经主动搭理路边的军人，大出风头。李安还没有给王佳芝任何展现个性的机会，赖秀金已经畅想将来，表达要出洋看世界的宏愿。到了后来，鼓励王佳芝投身剧团的是她，向王佳芝透露对邝裕民爱意的是她，教王佳芝抽烟的是她，甚至中间还有多个特写，反映她对邝王越走越近的醋意，她对王佳芝进身贵妇和暗杀计划主角的欲言又止，同时也是向王佳芝交待「開苞」一事的女性代表。她一直是王佳芝整个蜕变过程的目击者和一定程度上的推手，同时也利用她的早熟为早期王佳芝的单纯提供对比。

本来香港篇之后，赖秀金这个角色应该可以功成身退了，但却不知为何李安要在上海篇的电影院一幕中再次使用这个角色呢？而且还有两个特写镜头和表情戏，似乎是要传达什么信息。但那一瞬出现，赖秀金又再次专为闲角，虽然后来在王佳芝初探首饰店一幕露了一个脸。赖秀金在戏院的出现或者可以解释为提示和引出后面邝裕民跟王佳芝的重遇和任务的继续，但既然这个角色后面没有什么大用，为什么不直接安排邝裕民偶遇王佳芝，还要给赖秀金这么多特写镜头呢？这样似乎暗带含义，但却嘎然而止没有继续发展的枝节，我觉得既浪费了戏份时间，同时也影响电影的延续性。因为前一幕还是赖秀金的特写，后一幕马上换上邝裕民，衔接上面感觉很突兀。

（未完待续）

怕了长戏

网友Shirlie用了很多篇幅谈片长和效果的关系，这个话题也是我最近在想的。昨天早上第一时间看了前天借的《第七封印》，因为下午要出去帮人补习，我只有三个钟头的时间看片和读评论。虽然前天看的Bergman的《Summer Interlude》只有90分钟多一点，但毕竟他的作品给我的第一印象是较慢，所以我还有点担心作为他传颂最广的作品《第七封印》能不能容我在三个钟头里面比较放松地看完和吸收。但看了碟后面的介绍，有点意外，这部名作居然只有96分钟。

一个半钟头的戏是我的大爱，特别是大师手笔，个半钟头完全足够用作一篇中等长度小说的改编，足够交待一个旅程的始末、主人公的人生，足够塑造不下十人的人物群，看完还有很多eclipsis （没有点明和故意隐藏和省略的位置）可供推敲和回味。三个钟头里面，除了无压力地看完整部《第七封印》，还有时间听Criterion版本随碟配置的学者的同步语言评论。Robert Bresson的Au hasard Balthazar也只有95分钟，pickpocket更加少于80分钟，Diary of country priest也不过 110分钟。日本导演的作品往往会稍长，但溝口集合三篇短篇小说于一体的《雨月物语》却只有94分钟，『山椒大夫』120分钟，最长的《西鹤一代女》也不到150分钟（日本本土版本是148分钟，美国版133分钟）。即便是被很多人误认为是作品情节琐碎的小津，《东京物语》也不过136分钟，《晚春》108分钟，《麦秋》124分钟。谁说好作品就一定会拖戏？

反而现今快节奏的社会，很多所谓求快的商业作品的长度都轻易超过这些前人的名作，甚至稍有点文艺的作品也摆出高姿态，短短十多二十页的短篇小说可以拍出150分钟来体现所谓“纯演技”。如果是改编自长篇小说的连续系列，好像《哈利波特》，片长较长或者可以理解，但一向以明快为特色的迪士尼动画，最近的一部《Ratatouille》片长就居然接近两小时，看到一半多一点，我已经是眼皮发重，“胃口”发腻了。有专栏作者觉得《Ratatouille》有文学性。确实那只老鼠是有很多大道理。但大道理加上眼花缭乱、让人应接不暇的彩图，不就等于给学前幼童看的童话书，或者给小学生看的有illustration的缩写版名著吗？大人给小朋友读童话书，半小时就可以完成一本，然后一大一小一起解读书中内容，享受一下天伦之乐也大概只要一个小时多一点。但这部动态童话书竟然要人在戏院里面呆坐两小时才放你走，除了是金钱上的不菲花费，那两个小时的时间投资才更宝贵。事关，两个小时在戏院的时间，大人可以跟小孩子一起嬉笑，但不可能有太多互动交流的，因为那是公众地方。然后匆匆看完戏之后，又要急急忙忙带孩子回家或者去吃饭，到第二天又要上班等等，哪有时间跟孩子细细品味？加上那些急速切换的画面和场景，还有人物长长而且语速极快的对白，小孩子或者会看的爽，但其中能有多少意味可以萦绕心头？对于亲子互动来说，我觉得那只是大人例行公事式表达还算关心孩子的routine而已。

我跟朋友说我Ratatouille看到一半就想睡，朋友笑我老了。可能真的是如此，要不最近为何非黑白片不看呢？确实，习惯了Robert Bresson、Ingmar Bergman和小津这些讲求韵律、构图还有叙事上的模糊性和开放给读者解读隐含意义的风格，就很难免觉得现在主流的电影事无大小都交代得一清二楚、凡事speak it out、用visual来轰炸观众、而不是引发思考、甚至塞给观众很多imperative的大道理来代替观众的自主思考和解读的所谓“戏力”很嘈、看得很累。

还看到有专栏文章盛赞小老鼠道尽创作人心声，强调创作精神之重要而鞭挞盗取之不义。Well，这样的联系或者是成立的。但这部戏的大部分我只能看到很vivid甚至刺眼的巴黎街景、连小老鼠过街让骑单车者分神撞车都有好几个镜头、还有众多琐碎的争吵和夸张动作构成的“效果”，我不禁想问，牺牲叙事精炼度和整体性、将琐碎事件放大化来突出效果的fancy和sophisticated，然后让观众照单全收的自我满足就是所谓的创作精神？基于技术和视觉效果的创作当然有很多捧场客，可能甚至有观众会觉得同样的钱，看多十多二十分钟的效果是“大件夹抵吃”。但对于我来说，这更像在浪费我的时间。同样的时间，对于我这样的穷学生来说，与其掏腰包去戏院接受听觉、视觉、甚至触觉（因为戏院空调往往很冷）的全方位疲劳轰炸，不如用来帮人补习赚零用钱，或者在房间清清静静地读书（可以读到电影所涵盖的两到三倍，甚至更多的大道理），得到的满足感要来的强很多。

与Ingmar Bergman的重逢

        原本要趁势开始涉猎的溝口要稍微推迟一点，因为满怀兴趣要看的《西鹤一代女》竟然因为影碟太花而断断续续，好端端的Artificial Eye 啊！唯有等之后跟《雨月》等一起讲了。
 
    不过这个早晨也并非空白，因为我有Ingmar Bergman。已经四年没再看Bergman的作品了，当年的瑞典电影节上有缘邂逅Bergman的Persona、Cries and Whispers还有Alexander and Fanny，虽然当时火候甚浅，缓慢而深晦的视像语言让我看的半梦半醒。但人与环境、气氛的交融却让我看的入迷。Persona中撕裂般的呐喊，Alexander and Fanny里面如同宗教圣像般的圣洁都好像烙印一般灌注到我的脑海中。那时我才发现，不依赖音乐、情节和演出和对白上的煽动，只是影像、构图和剪接的合成作用却可以发映出如此深厚的情感层次，这是一种更纯净的视像层面。
 
    四年之后再看有种似曾相识的感觉，但已经不太需要特别提醒自己，这是Ingmar Bergman或者怎样才是Ingmar Bergman，要给时间自己warm-up，因为诗化的影像已经在我的认知范围之内。
 
    今天看的Summer Interlude，《夏日插曲》，是Bergman很早期的作品。1951年，欧洲还处于战后百废待兴的时期。这部戏跟战争伤痕无关，却像是Bergman早期人生的回溯。一个刚投身舞蹈学校，专业道路刚刚起步的芭蕾舞者在一次乡间旅行邂逅一个自己的崇拜者，一个朴实直爽的乡间少年。两人的关系在温暖跃动的夏日阳光下迅速展开。但可惜灿烂的初恋也如斯堪的纳维亚半岛的夏日般易逝。两人的关系经历过彼此身份、背景和生活重心等的考验和磨合后，本来正迅速攀上高点，却在最明媚的时候迎来Henrik遭遇意外的噩耗而嘎然而止。

        Bergman明显很熟识舞台工作者的心境。13年前青春少爱、活跃而不安分的Marie跟13年后拘禁自持的Marie有很明显的区分度，但两个形象都很有代表性。表演是一份讲理想的工作，而dancer往往都是proactive的类型（因为我有不少朋友从事这方面的工作，所以较为熟悉），但同时又因为工作缺乏规律性和需要对演出投入而让他们给人喜怒无常、难以触摸的感觉。所以Marie因为一点好奇心而对跟自己个性南辕北辙的腼腆Henrik有兴趣就很显得很自然。所以他们经常会觉得不被人理解。后来Marie跟新男友的对话就很有代表性。两个人仿佛来自不同半球，即便相对都在各说各话。但Henrik的内殓个性应该是最适合Marie的，这也是为什么之后她会紧锁心扉。就如小丑所说，人一生可能只能看清楚自己一次，而人一生真正不计后果地去爱通常也只有一次机会，很多人甚至没有。
 
        Henrik的意外发生得有点太突兀，特别影像上完全不让观众参与有点野蛮，但支前一连串仿佛舞台表演一样充满韵律感的sequences，却将一对萌动的男女如何合二为一、情感融为一体的过程反映得真切入微，比起现在很多刹那火花就马上干柴烈火的所谓真爱，来的真实和自然多了。
 
    这部戏可以看出不少Bergman的个人印记。好像对特写近镜的应用，Bergman似乎不太觉得近镜在叙事中是起到pinnacle的作用，所以他不经常将近镜跟慢镜一起用，就算镜头放在演员面前，他们一样照常嬉戏、转身、言笑，跟一般的镜头无疑，但在现代一般用半身镜头拍摄的片断，Bergman却经常用近镜。所以大部分人可能用来定格某个表情和情感的大特写，他的人物却照常在轻描淡写，叹他们的气、感他们的伤、抽他们的烟。也就是演绎方式不需要因就镜头远近而变，表演是连贯的，不需要特别抽出那一段来大书特书。
 
    但当真的特写定格的时候，Bergman却展现出他对构图的独到触角，就是他对面部刻画和塑造能力。就这部戏来说，女主角Marie的面部被他从起码五六个角度去拍摄。作为dancer必有的make-up，也是一个有象征性意义的物象，他拍过正面的整张脸、半面，45度角的半面；而青春时期的Marie，同样有俯镜、45度写真侧面半面等角度。明显青春期的Marie面庞的线条圆润，表情丰富而充满动感的。而成年后的Marie面容较为清秀，但经历情伤后长期的自我封锁，令面部线条变得有点紧绷，特别是涂上浓重的化妆就更加有如脸谱一样。
 
    另外就是镜子的运用和光线的运用。镜子反射人的面庞，同时也赋予了透射心灵的含义。从事舞台幕后工作出身的Bergman明显对这个非常舞台的道具和意像感情深厚，Persona就是这方面的一个顶峰 （云集了镜像、木偶剧和投影幕这些Bergman早期人生的体验元素）。Summer Interlude里面的镜子，既是女主人公回眸自己人生的一个窗口，同时也是拉开一个冥想和情感空间的工具。因为镜子的存在，原本狭窄而封闭的化妆室的物件仿佛被连接起来，成为一个以女主角为中心的个人次元，同时也是围绕她而转的个人王国。而灯光，同样带有情感意义。夏季阳光灿烂，但一对情侣却宁愿在室内打灯，享受由对方提供的脆弱而幻象般的安全感。而化妆室中的黑暗也像厚厚的帷幕包裹着女主角自我封印的心。直接舞团的魔术师进入室内点亮电灯，那突然明亮起来的背景感觉就是一个转变的预示。
 
    本片最突出的插曲肖邦的《夜曲》可能在点出面对战争阴云下的瑞典人心中的一份压抑感。毕竟《夜曲》是肖邦在国破家亡的逃亡生涯中用来慰藉自己失去国土的伤痛的。而对于戏中的Uncle Erland，这首《夜曲》则是他对苦涩的青春和逝去初恋的哀悼曲。
 
    前面提到这部戏也是Bergman早年一段转瞬即逝的初恋的纪录。当年他同样在一个与世隔绝的小岛上邂逅岛上一间破落小屋中居住的少女，度过奇妙的夏日。虽然以初恋的易逝为主题，不过这部早期作品明显没有他后期作品的那种苦涩味，起码最后几乎重复开头，但调子转为正面的结尾就不是那么多Bergman的作品所有的。

Individualism、Zen Buddism：从《东京物语》谈起

首先请各位原谅我用这么多英文字做标题，只是很多意识形态的名词很难找到最合适的中文翻译，只能意解而很难直套。

好像Individualism，中文的翻译往往倾向自我中心、个人主义这样比较贬义和指代偏离国家主体利益的思想。但在实际的英语系国家中，这一个词明显是中性甚至偏褒义的。有网友引用美国思想家索罗（Henry Thoreau）的说法，将Individualism形容为一种独立于权威，独立于社会主流意识，独立于有组织的宗教，特别独立于资本主义贪婪物质占有与物质享受的诱惑，真正人的理性的思考与追求（http://free.21cn.com/forum/bbsMessageList.act?bbsThreadId=585667）。也有学者建议，将Individualism翻译为“个性主义”（http://scholar.ilib.cn/abstract.aspx?A=ynsfdxxb-jykx200405013）。我觉得后者比较可取，但同时也不完全正确，因为individualism也不完全是强调个性张扬而一定要离经背道，打破所有的社会规范。好像昨天谈到的纪德，他的作品在探讨对真我的追求的同时，也很强调如何保持个人的价值观。始终个人是社会的一员，民主的意义也不纯粹是每个人各自为政，反而是在个人与社会总体利益之间作出平衡。所以我更认同individualism首先是建立在对个人和社会关系的思考之上，然后再通过独立思考，找到自己的存在价值和精神目标，而不是盲目和被动服从社会的大势和routine。

individualism跟《东京物语》的关系，源于一部拍摄于《东京物语》之前，跟《东京物语》题材相当接近，被认为对小津创作《东京物语》有影响的美国片“Make way for tomorrow” (Leo McCarey, 1937, Paramount Pictures)。该片跟《东京物语》剧情同出一辙，讲述在美国大萧条时期（Great Depression），一对退休老夫妇the Coopers，因为无力偿还房屋贷款而不得不投靠自己的五个孩子。如同《东京物语》中的周吉夫妇，the Coopers同样面对正在大萧条中挣扎求存的子女们的冷待，还要被迫被拆散寄居在不同的子女家中。两人虽然始终憧憬还有再度相逢的一天，丈夫Barkley还不顾高龄到处求职，但冷酷的现实还是一点点扑灭他们的silver lining。子女们最终达成一个非常残酷的安置办法，将父亲安置在西岸加州的儿子家中，但母亲却要被送进东安的安老院。对于老年夫妇来说，还有什么比分离更为残酷？（《东京物语》里面周吉夫妇在东京神社前分离一幕就是全片最让人神伤的片断，特别是听到老妇人的话“这么大的东京，我们走失了恐怕就再无法相见了”） 尽管分离之前他们有一天相聚的时间，尽管他们可以重游蜜月时住过的酒店，甚至受到酒店员工的热情礼遇，还跳了最后一只舞，但第二天，站台上面反向的两列列车还是将他们永远分开。

“Make way for tomorrow” 跟《东京物语》在反映社会经济条件对家族关系的削弱、两代人之间沟通和情感上的鸿沟、通过镜头和空间表现人的距离和情感状态、还有东西方文化和价值观上面的差异都有相当多可以比较的地方。而这里我想谈的，是从两片的结尾部分来看东西方主流价值观的投射。

“Make way for tomorrow” 的结尾，Barkley跟妻子Lucy在度蜜月时住过的酒店度过了可能是今生最后一次的独处后，Lucy提醒Barkley是时候回去参加子女们为他们准备的farewell dinner了，而Barkley却非常坚决地表是他不想去（参加这么虚伪的表演）。Lucy还是坚持他们不应该错过这最后的相聚，Barkley则冷冷地反问“Why not？”有评论认为，这是对美国的社会精神根基的考问，是代表个人独立意识和自主精神的呐喊和对所有压制独立意识的事物的鄙视。Barkley明显将子女看成是社会对他的压迫的一部分，为什么他的生活一定要由子女来决定，连最后跟妻子的独处也要遵循子女们的意旨？为了表示他的尊严和反抗，他甚至打电话给子女，高调地告诉他们，他跟Lucy不会参加fairwell dinner。电影到这里也体现了Hollywood电影伸张正义的基本主题，“不但反映子女的堕落，甚至还要让他们知道他们的父母很清楚他们有多堕落”（"Thus the Cooper children aren't just rotten; they must be made to know that their parents know they are rotten."----David Desser et al., "Ozu's Tokeyo Story"）。

作为亚洲人，虽然我很重视自己的独立意识，推崇individualism，但我也很认同亚洲人对亲情和家族关系的重视。而作为父母的角色，往往也被预期对子女采取宽容的态度（“Make way for tomorrow” 里面甚至还将“父亲”“母亲”只看成一个身份和称号，反而是自己的maiden name更能体现真我）。所以《东京物语》在结尾部分的处理就很能体现东方社会的伦理价值。

即便要强忍丧偶的悲痛、即便已经受尽子女的冷遇，但周吉对子女们始终是安详的，甚至想方设法维护他们的面子。即便他们例行公事般完成丧礼，当晚就要离开，周吉也是坦然以对。评论也认为这是受日本的佛家思想影响，生老病死、生离死别都是世道循环的一部分。

小津本身明显是相信佛家的“无常”观念。在他自己的墓碑上的铭文，就是单单一个“無”字。甚至他还不喜欢回答别人对他作品含义的提问，经常“洒太极”避开。好像人家问他为什么这么喜欢在作品中包括火车的镜头，他的回答只是简单的，因为他喜欢火车，还加一句他也喜欢鲸鱼。但周吉的恬静和超脱，还有三子Keizo在灵堂中因为难以承受代表母亲逐步远离的木鱼生而悲从中来，还有纪子从周吉手中接过已逝婆婆留给她的怀表而体会到新生活的开始，这些关于循环和转换的引申意，都不难看出佛家思想的影响。

小津认为生命的无常给人带来难以逃逸的悲怆感，但面对这样的真相每个人都需要找到自己的办法去平复这些伤痛和减轻对自己的折磨。所以人是无从逃出这种现实而独立存在的。

我个人觉得individualism跟佛家的这种入世受难的思想虽然有很大差距，但不完全对立。正因为生命之无常，对每个人来说，最重要的不是旦夕之祸福和财富享受，更重要的是不断的自我求索和对真我的塑造。当你对自己的individuality有很清楚的了解后，外界的冲击也就变得容易承担得多了。

只是一点浅见，还望抛砖引玉。

Country Priest, 乡村教士（一）：接受灵与肉夹攻的矛盾结合体

首先申明一下这个网志标题不是直接指代我最近重点关注的法国导演Robert Bresson的名作Journal d'un curé de campagne，虽然这会是其中一部要讨论的作品。这篇网志主要是结合三部作品，勾勒一下乡村教士这样一个生活在信仰和世俗交叉点上的特殊人群。

想写这个专题有点偶然，原来可能只是会从分析Robert Bresson的角度写Country Priest Diary，但今天听贝多芬的《田园交响曲》，随便上网找《田园交响曲》资料的时候却意外地发现，原来法国作家纪德（André Paul Guillaume Gide）写过一篇同名小说，La Symphonie pastorale。

http://www.mypcera.com/book/2003new/wai/other/tyjxq.html （因为是网上版本，所以错字较多，排版就乱，大家多多将就，不过翻译得很不错。）

这篇小说，借用贝多芬这首名曲，既是用来概括故事发生地如诗如画的田园风光，同时也反映老教士与盲女之间如同初春萌芽的青草般耀眼却弱不禁风的忘年恋。而这一切也像美化了世界万物的《田园交响曲》般，犹如一场幻影。

教士从一个逝世的老妇人家中收养了一个长期无人照顾、性格怪癖的盲女，被改名为热特律德（Gertrude）。小说的前半段非常正面。教士接纳了朋友的意见，用非凡的耐性一点点启蒙热特律德尘封已久的智慧。他甚至想到用《田园交响曲》这样层次和感情色彩丰富的乐曲来形容各种颜色。热特律德的智商，还有她跟教士之间的关系也伴着《田园交响曲》的轻快节奏迅速向前发展。教士还用《马太福音》中的亡羊喻来作为自己对热特律德偏爱进行辩护。一时间作为读者的我完全振服于他对这“一百只羔羊”中的迷途一颗的关怀备至，觉得他就是不计世俗眼光、彻底布施慈爱的神的代言人，就像《悲惨世界》里面丝毫不问来历就特别包容千万人中迷失一个的米里耶尔主教。

但这轻快节奏背后，却带着阵阵悲剧气息的暗涌。纪德从交待收养过程的开端起，就用了相当多的笔墨去刻画教士跟妻子阿梅莉（Amélie，希望不会倒同名电影fans的胃口

）之间在生活理念上的南辕北辙和感情生活上的日渐疏离，甚至极端之处，教士对妻子的爱竟然消极地表现在不做她所不喜欢的事情上。到了这一点，读者可能也大概能嗅出一点后面情节发展的提示。受到教士直接调教的热特律德，思想上就仿佛是教士内心世界的直接投射，正因为热特律德对自己的热情回应和对自己思想的肯定、崇拜和和应，教士越来越对只关心生活琐碎、而对自己的精神漠不关心的妻子产生厌恶情绪。热特律德成了他精神上的避风港。

后来，面对儿子雅克（Jacques）对他跟热特律德关系的介入，教士霎时表现出来的妒嫉甚至憎恨虽然有点出乎意外，因为之前的tongue都是非常恬静和平和的，但结合教士跟妻子感情的日渐枯竭和跟热特律德的日渐靠近，这种超越父亲对儿子应该有的宽容心、而明显是受情感操控的妒嫉表现就显得顺理成章了。

后面他以保护热特律德之名刻意让雅克离开，但对热特律德对自己的表白又不置可否。但面对热特律德可能重获光明的消息又显得相当焦虑和显而易见的自卑心理，让人感受到他的挣扎，在欲望和道德之间的日渐迷惘。虽然最后他还是越过界限，但那种跨越不让人觉得有释放的愉悦，反而是带着浓重的忧虑和惶恐。

结尾非常戏剧性，但却又呼之欲出。重获光明的热特律德却不愿意面对教士，甚至投河自尽，虽然获救但已经奄奄一息。她在教士面前坦诚，原来自己失明时一直幻想和倾慕的对象，原来是雅克，而不是眼前这个两鬓斑白、瘦骨嶙峋的教士，她在懵懂之中占去了另一个女人的位置，雅克也已改宗而不能婚娶，她已没有生存的理由，只有一死谢罪。

长期失明的人靠想象和书中的描述去描绘时间的影像，但当他们重获光明的时候，却要面对眼前的现实跟心中那个世界之间的强烈反差。热特律德的成长，离不开《田园交响曲》和教士给她灌输的美妙情景，但到头来这些美化后的世界却给她带来太高的期望值，以至复明后她已无法面对真实的世界。

同样关于这种反差的描写，真要强烈推荐伊朗名导

Majid Majidi （Children of Heaven，《小鞋子》的导演）的作品《Willow Tree》（新加坡中文译名叫《风吹柳叶静》）。里头的主角，一个自幼失明的教授，重复光明之后面对五光十色的世界所受的冲击是如此之强烈，以至他的心灵受到如此无可挽回的扭曲，甚至为了一时的情欲而要毁灭自己所拥有的一切，很多跟我一起看的观众觉得不可理解，觉得主角没有一点感恩之情，非常disgraceful。但试问，当你长期觉得被剥夺了很多，而这些被剥夺的东西突然一次过呈现在你的面前，仿佛伸手可及，甚至让你应接不暇，你可以继续保持强忍不幸时的低调和清心寡欲吗？当你觉得仿佛大半辈子没有活过，仿佛瞬间就要走入白发苍苍的老境时，你有可能不焦虑得不顾一切地追回失去的时光吗？这些正是这个长期郁郁寡欢的盲人教授所面对的道德危机。虽然人的欲望是需要克制的，再怎么同情一个人也不可能任由他的欲望泛滥。但因为残疾人士的不幸和特殊而不认同他们拥有欲望的权利，这不等于是正常人给残疾人士的异样眼光和特殊对待吗？

导演竭尽心力去刻画视觉世界跟听觉世界之间的异同，从而特出两个世界的不调和在主人公精神上所造成的折磨。特别是下面的海报中所描绘的那个场景，教授从巴黎病愈回来，众多亲朋好友在机场迎候，还没有出到达大厅，隔着玻璃教授就可以看到欢呼的人群，掌声雷动、画面在不停跳跃、陌生的脸孔一张张浮现，一切影像就像汇聚成一道洪流，涌向还满脸疑惑的主人公。当这股善意的洪流在刹那间铺天盖地地涌来，带给人的感觉却像是窒息一般。

Willow Tree官网：

http://www.cinemajidi.com/willow/

La Symphonie pastorale电影截图：http://blog.joins.com/media/folderListSlide.asp?uid=fintan&folder=20&list_id=8202687

《色戒》的首映反响

刚查了一些影评，似乎关注威尼斯的影评人明显没有康城的多，康城影展的很多部片、特别是开幕片首映后一两天就有众多大报有报道和评论，但威尼斯开始好几天了，开幕片和《色戒》的review我只找到两三篇，连New York Times都没有威尼斯的报道。

Variety的review较为详尽，也点出之前我的一些忧虑不是杞人忧天，虽然代表Hollywood主流口味的Variety对一般非Hollywood风格的作品的评论都会比较酸。首先大部分的评论都认为两个半钟头的片长过长了一点，虽然Brokeback Mountain也很长，但毕竟Brokeback的故事时间跨度长，plot也较多。但《色戒》的原著只有几个中心事件，两个半小时的片长说明lust的部分会渲染得很浓重，好处当然是容易有细腻的效果，但不好处也可能让人觉得拖沓和overdone。

Variety's Review of "Lust Caution": http://www.variety.com/VE1117934527.html

“Too much caution and too little lust squeeze much of the dramatic juice out of Ang Lee's "Lust, Caution," a 2½--hour period drama that's a long haul for relatively few returns. ” （如果翻译得比较酸就是：“过多的‘戒’，而有限的‘色’让李安的《色戒》戏味索然。两个半小时的长途跋涉却显得有点徒劳无功”。）

另外按Variety的plot介绍，《色戒》的情节编排还是比较忠实于原著，起码一开头有15分钟的麻将台戏。以Variety的Hollywood主流口味来看这段麻将戏是lenghy和idle，但原著中却是关于“色”字主题的前奏。李安肯放这么多戏份在这一幕前奏戏上来set up后面的tongue，反而是我所期盼的处理。

至于Variety不喜欢的，情欲戏前梁朝伟和汤唯之间轻歌曼舞和打情骂俏，有另外的评论就是李安用足够的时间去进行人物分析和建立他们之间的emotional baggage。这种讲法虽然很可能成立，但怎样建立起erotism的那种格调，再引向最后的爆发高潮，我对李安这方面的功力还是有怀疑，真要看过才知道，究竟中间这些平淡的谈话部分真的是build up还是只是skip through。

http://european-films.net/content/view/838/118/

另外关于Variety提到的《色戒》里面旧上海风貌只是backlot look，反而在马来西亚拍摄的旧香港场景更有风味，我觉得应该是客观的评价。因为New York Times的报道也提到，在上海南京路拍摄的旧上海场景，其实是为拍片而搭建的100家铺面的半厂景，反而在马来西亚的场景就真的是原汁原味、起码五六十年历史的旧式骑楼（http://www.nytimes.com/2007/08/26/movies/26lim.html?ex=1188964800&en=c75df8dc8714dbda&ei=5070），所以Variety觉得旧香港那段比旧上海那段更有风味是完全不奇怪的，因为旧街区始终比人工搭建的厂景有味道。而Variety也指出《色戒》的旧上海场景不及同样关于旧上海二战期间间谍题材的《紫蝴蝶》有真实感，可见西方的观众其实对旧上海风情真的不陌生，因为之前又太多的参照物。甚少拍旧上海题材、也很少到上海拍戏的李安即便再注重细节，不熟悉的地方始终是不熟悉。香港导演拍旧上海会比出生在台湾的李安有优势，因为很多新中国建立之后移居香港人家都是来自于上海，而作为英国殖民地的香港跟半殖民地的上海明显在建筑和生活方式上有很多相同点。这也是为什么张爱玲的小说里面经常都是上海、香港双城记的缘故。

但被日本统治五十年的台湾，文化和生活习惯上肯定是更接近日本。李安也只能从资料和书中感受旧上海风情，而不能像香港导演直接体验类似于旧上海的那种华洋混杂的环境。等于没有在巴黎或者罗马生活过的人有多少可能比当地人更了解当地的风情？所以我觉得Shirlie觉得李安注重细节就一定可以在还原旧上海风情上比其他拍旧上海的导演好是有点太乐观了。

至于其他演出的部分，基本上王力宏和陈冲的部分没什么评论有特别点到，可见这两个角色基本上是陪衬，所以大部分戏份是在汤梁身上。但如此集中的戏份会不会造成观感上的疲劳呢？特别是大部分剧情在谈话中度过、plot的发展比较缓慢的情况下，可能有利于演技奖，但对其他的部门可能会是削弱的。而因为本届评委全部是导演，很多人都有拍过激情戏的经历（Jane Campion 康城金棕榈得奖片The Piano当年就被MPPA列为R级片，张艺谋还拍过旧上海），所以他们完全有可能拿《色戒》跟自己的作品比。所以《色戒》即便能征服影评人，要赢评委，仍有相当难度。

A date with Robert Bresson

认识和接近Robert Bresson几乎是一种必然，即便我在电影方面很晚才受到法国的影响，但Robert Bresson跟小津同出一辙的人性关怀和飘逸味道实在太容易将我拉近，特别在我的生活要面对众多要求conformity的压力，特别我渴求在carnal跟spiritual的存在之间求得平衡的时候，Robert Bresson的出现有一点救世主的意味。虽然每部片都仿佛是宗教和哲学的长篇论文，但却从不居高临下地做什么说教；他如小津一般扎根于社会底层，直接社会的众多扭曲、黑暗和压抑，却从不将情感推向极端，从不会摆出一付悲天悯人的圣人姿态。反而，他更像他作品中的中心人物，用无偏见的眼光去做无声的观测者，同时又将吸收和承担苍生的凄苦为己任。他的作品通常都是苦涩的，但却有如磁石一般，吸去观众心中相同的那分凄伤，真的如温暖的朋友一般无声地拭去你的愁容。

有学者形容Robert Bresson是"the master of the reflective mode in film"，我深感赞同，因为就已经看过的两部作品，他的名作Au hasard Balthazar （英文译作A donkey called Balthazar）和1943年的处女长片 Anges du péché, Les （英文译作Angles in the street或者Angels of Sin），两次都仿佛是在看着镜子中的自己，甚至正中当时当地的所思所想。

 Anges du péché, Les 里面就有一个非常有意味的借喻。刚进入修道院的Anne-Marie四处找镜子来整理自己的道袍，年长的sister却面带莞尔地跟她说，在修道院里面，每个人的镜子就是另一位sister的眼睛。这个借喻正好点出了Anne-Marie跟整个修道院环境的矛盾。Anne-Marie是一个充满个人追求的人，她抛弃自己的所有毅然加入修道院，就是要接受新挑战，追逐更高的精神境界。但她所面对的现实，却是一个高度要求服从和严重反对特立独行的保守环境。特别是因为很多修女都是rehabilitated nuns，就是曾经犯过错，坐过牢，所以到修道院接受神的洗礼和约束，从而洗刷原来罪恶的“自己”。所以Everyone's mirror is another sister's eye，每个人的状况和位置，是通过别人的评价而集约而成，每个人都没机会、也不受鼓励通过自己的眼睛去看待自己，特别是注重自己独特的details。注重自己和details的人会被认为是untidy，就如禅院里面，“本来无一物，何处惹尘埃”。但Anne-Marie却强烈认为，一张untidy的桌子比一个untidy的mind要好的多，而对周围人和事的indifferent态度，甚至为了奉承主事者而漠视一些丑恶的存在，这种negligence和冷淡更要不得。

我所看的2007年出版的修复版本

这种矛盾在平常生活中不是无处不在吗？在大部分组织中，热情投入跟明哲保身哪一种更容易惹人非议？往往是前一种，质疑规则的人往往第一时间被认为是自我满足和麻烦制造者。

最终Anne-Marie用自己的牺牲来换Thérèse的觉醒，虽然是很老套的桥断，但Robert Bresson的处理明显体现了他之后一直贯彻的主张，就是拒绝melodrama，避免对观众的情感冲击，也不刻意去一步步营造高潮。 Anges du péché, Les 是Robert 　Bresson在主流studio体制下拍摄的作品，所以感觉上难免较Au hasard Balthazar 来得conventional。台词比较多，戏剧性也较浓，soundtrack也用得较多。但贯彻始终的，是对人物的疏离处理。在Anges du péché, Les中，较能体现这一点的是Thérèse。本来愤世嫉俗的叛逆女，最离经叛道的反抗也不过是监狱中暴走和呼喊，一幕两三个shot，一两分钟的奔走戏加一个特写。之后她的复仇、对Anne-Marie的冷漠、陷害，到最后的反省，Thérèse都是表情冷淡，她的转变不是通过特写，而是通过她跟Anne-Marie的关系来反映，而这些关系也不是通过说教、内心剖白这些传统的表演性元素来体现，而是非常subtle的谈话、两人的空间距离、身体接触这样平淡无奇的元素来反映。Thérèse自始至终没为一直努力拯救她灵魂的Anne-Marie说过一声感谢，也没有流过一滴眼泪，但最后的默然自首一幕自然而然地将所有努力和波折归于一刹那的完罪（redemption）。而Au hasard Balthazar 中的Marie更加是从来不表态自己希望何去何从、只懂逃逸的迷惘少女。

Robert Bresson的理念是editing makes drama，戏剧元素是通过剪辑来体现的。他认为演员的作用不是acting，而是提供一个model，做出人物的原生质状态的各种反应，而至于怎样带出当时的情感，则是由剪接和镜头去完成。这一点跟小津非常相似，同样是充分override演员存在的导演，同样重视同过细节去带出情感深度的导演。

Anges du péché, Les 主动济世和Au hasard Balthazar 的超然出世正好体现的Robert Bresson的思想和技法上的发展和成熟。当然从人生观上面讲，或者会有人觉得后者的被动和不反抗精神很消极，但我认为，接受世界的众多混沌和不合理，反而是改变这一切的第一步。没有任何一个社会和道德模式是可以完全行得通的，但宽容和接受差异却是走向善意的第一步。正如Anges du péché, Les 里面，Anne-Marie临终前也自我反省到，a silent friend才是Thérèse真正需要的，虽然她的主动努力和所体现出来的诚意也是感化Thérèse的重要因素。

一个详细介绍Anges du péché, Les 的网址：http://www.dvdbeaver.com/film2/DVDReviews29/anges_du_peche.htm

病床上的Anne-Marie

复仇前一瞬间的Thérèse

众sisters送别Anne-Marie的一幕

关于Robert Bresson可讲的还有很多很多，例如跟小津的比较，还有同样被认为具有transcendent风格的但　丹麦导演Carl Theodor Dreyer （Taxi Driver 的编剧Paul Schrader将三人列为transcendent风格的代表）的比较，还有对近代的影响。Bresson study已经是一个电影术语，就像蒙太奇一般，代表一种跟Robert Bresson风格相接近的，对人物采取疏离但细致入微的观测和处理。LA Weekly的影评人Scott Foundas今年四月关于参加康成影展的韩国片、李沧东的《密阳》的试映观感中，就用到Bresson Study这个词来形容戏中对全度研角色的处理（http://blogs.laweekly.com/foundas/）。到底李沧东怎样在《密阳》实践Bresson的主张，我确实非常期待。

第64届威尼斯电影节前瞻：开幕片《完罪》（Atonement）

各位Keira Knightley （凯拉·奈特利） 的粉丝看过来，本届威尼斯影展的开幕电影可是Keira主演的《完罪》（"Atonement"）哦！！！ 

Keira刚脱下染满盐渍的海盗袍，马上换上罗裙，演出恬静坚贞的30年代英国乡间女子。Keira演出古装时代剧的能力已经在《傲慢与偏见》（Pride and prejudice）中得到肯定，这次的《完罪》正是《傲慢与偏见》的导演Joe Wright 跟Keira的再次合作。35岁的Joe Wright也成为威尼斯影展历史上最年轻的开幕电影导演。

改编自英国作家 Ian McEwan 的同名小说，《完罪》讲的是一个关于误解和救赎的故事。13岁，对感情事还懵懂不知的Briony Tallis目睹她的姐姐Cecilia（Keira饰演）跟同龄男生Robbie Turner的萌动感情，却误认为是Robbie对她姐姐的轻薄和攻击。所以她将表姐Lola被强奸的案件嫁祸给Robbie（或者是她将所有邪恶的形象都跟Robbie的形象重叠起来）。结果，Robbie被判有罪，他跟Cecilia从此被分隔两地，他先是坐了三年牢，然后又被派往军中，参加二次大战。之后，读者就跟随Robbie的视角，目睹他在法国度过的那些受相思之苦和未卜前程煎熬的日子。后来Briony发现强奸Lola的原来另有其人，她向Cecilia坦白一切，恳求她的饶恕，甚至愿意偿还Cecilia跟Robbie失落的幸福。两人得以破镜重圆，甚至畅想着怎样跟Briony一起洗刷Robbie的清白。

当这一切happy ending的影像还没有得到落实，书中的笔锋一转，到了1999年的伦敦。Briony是一个年过七旬的成功作家，但已经奄奄一息，并接受媒体访问，讲述她未曾发表的小说。原来之前所诉的故事都是Briony这部未面世的小说的情节，为了不让Lola难堪，Briony决定等Lola和她的丈夫（正是当年强奸Lola的人）去世之后才发表这段家族历史。但小说毕竟是小说，Briony在访问中透露，事实上书中所铺陈的完罪只是她对自己犯下的错的一种精神上的忏悔，现实中Robbie和Cecilia都分别死于战乱之中，根本没有破镜重圆。

原著小说是通过Metafiction的手法，小说中包含角色创作小说的成分去展开对完罪的思考。（资料来自：

http://en.wikipedia.org）

这部戏的阵容相当强大，Keira已经是奥斯卡提名女演员，该剧的编剧Christopher Hampton 更加是赢过奥斯卡(《致命关系》Dangerous Liaisons，1988)和康城评委会大奖（Carrington，1995）的名编剧。演出Robbie的英国小生James McAvoy就是《最后的苏格兰王》(Last King of Scotland)里面那个苏格兰医生。名著+名编剧+名演员，难怪威尼斯会将开幕电影的厚遇给与这部年轻导演的作品。

《完罪》海报

Keira剧照

当大师一个个离我们而去......

        最近我想最能形容自己心情的词语，一定是相逢恨晚，跟杨德昌相逢恨晚、跟今川昌平相逢恨晚、跟安东尼奥尼相逢恨晚，还有更值得愧疚的，跟自己的研究也是相逢恨晚。人真的这么可笑（可能在我身上特别显著吧），总是在一件事物无法再企及的时候才觉得痛惜。安东尼奥尼的《蚀》（L'Eclisse），Criterion Collection的双碟版本，我竟然在学校图书馆借过三次但每次都原封不动地还回去！杨德昌的《一一》，VCD好、DVD好，我在影碟店见过不下五六次，拿起来读介绍也有三四次，但居然一次都没有购买的欲望。今川还好解释一点，毕竟连小津我也是最近才开始认真看他的全集，特别是《东京物语》；今川导演的《鳗鱼》很早以前已经听过，但真正对他有兴趣，反而是因为他曾是小津的助手，也参与过《东京物语》的拍摄，更是当今日本影坛众多中坚导演恩师的这层关系。

       稍微有点宽慰的是，Ingmar Bergman的作品有缘在瑞典电影节上通过大屏幕邂逅，特别是充满圣洁美的《Fanny and Alexander》，而我最近看过的最后一部旧片，就是安东尼奥尼的《夜》（La Notte）。七月中旬的时候还跟一个刚认识不久、喜欢王家卫的朋友推荐过王家卫跟安东尼奥尼合作的《爱神》，虽然是近在咫尺的2004年，但我们两个初哥影迷那时都不清楚安东尼奥尼是何许人也，更不要说只为1/3部的王家卫而买票入场了。

       也只有这样的大师的离世，才值得让《国际先驱报》(International Herald Tribune)找来先今还有相近影响力的两位大师Woody Allen和Scorsese来呈现两篇识英雄、重英雄的挽歌。Scorsese给安东尼奥尼的挽文一如他的作品般工稳，而以幽默辛辣著名的Woody Allen则毫无保留地展现他对Ingmar Bergman这位自己的精神偶像离世的惋惜之情。他提到Ingmar Bergman讲过不希望自己在阳光灿烂的日子离世，他希望自己的偶像离世时能够拥抱每位导演都梦寐以求的稳定而柔和的天气（flat weather）；他又引用自己讲过的一句话，艺术家的艺术是救不了他们自己的，无论你的作品多么伟大迷人，最终你都阻止不了命运之门被敲响，就像《第七封印》的结尾；他更希望Bergman的每部作品可以被兑现成一年的寿命，让这位影坛诗人有额外的六十年时间去继续他挚爱的电影创作。而我个人则觉得，自己最喜欢的影评人A.O. Scott引用的， 电影人T.S. Eliot的一句话更能体现两位离世大师无以替代的价值：“在现今的文明世界之下，要以诗人的身份存在，实在是无比艰难。”（"poets, in our civilization, as it exists present, must be difficult."）而安东尼奥尼和Ingmar Bergman，就是20世纪乃至整个电影发展进程中最杰出的两位现代主义诗人，同时失去两位诗人，对还渴望启蒙和指引的影迷和电影工作者而言，无疑是相当大的遗憾，特别在现今浮躁的环境当中。

       当然我们还有Jean-Luc Godard、Alain Resnais、Wim Wenders、Scorsese、Woody Allen等等，但也如A.O. Scott文中所引用的另一句话，时间确实有冷却艺术热情的作用（“Time has the effect of seeming to quiet the work of art”----Lionel Trilling），A.O. Scott觉得自己这样在电影艺术风起云涌的五六十年代和Criterion Collection诞生之间的平淡时代生人，已经无从体会那些影坛经典的锋芒，那我们这样座拥无数Criterion经典，却只能从照片和影像中寻觅身在另一个世界的大师们的残留踪影的新生代又何从认知经典和艺术为何物？

 

 

中国风题材，拍什么才新鲜？

近日不断在跟朋友聊《色戒》和李安，虽然我自己喜欢Brokeback Mountain，也认同李安的导演功力，也不是对《色戒》这个旧上海抗日特务悬念片没兴趣，但我还是不得不认同朋友的看法：现在还拍几十年前的旧上海风情，是有点过时了。

这一类以穿着旗袍的东方丽人为中心，体现旧上海或者六七十年代的香港那种夜夜笙歌的奢靡生活的电影，我觉得到《花样年华》已经达到顶峰。所以前年的《长恨歌》，虽然入围威尼斯影展，但华人地区和欧美的回响都很一般，郑秀文在香港金像奖上也输给如日方中的周迅，虽然周讯也是凭一部旧上海为背景的《如果爱》赢出。

其实我一直对很多华人导演眼中认为充满文艺气息的旧上海风情觉得不以为然，我最想看的，还是导演们怎么解读时下的社会生态。旧上海那些太太小姐的生活方式，只占当时中国三四亿人口的可能万分、甚至百万分之一，甚至比那时的共产党员和革命派人数还少。所以我一直觉得到现在还那么多知识分子迷恋那个时期的上海是因为他们的家族背景可能跟旧上海相连。但好像我们这些家族出身跟旧上海完全没关系，也不讲他们的方言的乡野村夫，为什么也要人云亦云地关心事不关己的一群人的生态？相对于旧上海的靡靡之音，我反而觉得张艺谋镜头下粗犷朴实的《黄土地》、《红高粱》、《大红灯笼高高挂》、《活着》和《菊豆》等中国乡土作品更能反映具有普遍性的中国脉搏。虽然张艺谋也拍过歌舞升平的旧上海，但那部《摇啊摇，摇到外婆桥》明显是冲着奥斯卡而去、就着美国人的口味炮制的。

这两年华人大导演都赶着拍中国传统题材，李安拍旧上海，吴宇深拍三国，陈可辛翻拍六七十年代的武侠片，陈凯歌拍京剧。虽然声势浩大，但其实都不是新鲜的题材，陈凯歌更加在复制自己。我很想问问各位朋友，时下中国传统题材里面，还有那些是会让一般的观众觉得新鲜、有吸引力的呢？

朋友答我，可以试试较《西游记》更神化的佛教题材。其实佛教对于中国而言是一个舶来宗教，毕竟佛教发源自印度。我始终觉得，中国人对佛教的兴趣，其实还没有日本人大。而且最纯正的佛教题材电影，肯定是以印度为背景的。喇嘛教到可以是西藏，但以中国政府的尺度和西藏问题的敏感性，电影人要拍摄这类型题材其实去尼泊尔或者不丹会更方便。

朋友还有另一个提议，可把中國的民間故事去拍成動畫, 就像花木蘭那樣, 不是在美國也大hit嗎? 我觉得是非常好的提议。《木兰》也是Disney动画中我自己超喜欢的一部，毕竟有民族情感的影响。而且我觉得美国人拍这部中国题材都算颇严谨，服饰、造型和建筑上明显下过功夫，连匈奴人骑的蒙古马头大脚短、跟中原人骑的高头大马不同他们都注意到。而且片头从书法的流畅线条演化成长城也很有东方神韵，确实值得一赞。

不过华语影坛动画方面确实很弱，接近十年前徐克拍的《小倩》红过一阵之后就基本没什么有影响的作品。台湾拍的《梁祝》也没有太多反响。不过李安有没有这样的童心和创作力去令华语动画脱胎换骨，我自己倒是很怀疑。他拍漫画片《Hulk》都这么一般。其他的华人大导演中，除了徐克，其他人都没有这方面的经验，如果找新人又卖座力不够，真的是一个颇为尴尬的局面。

其实在中国传统题材中，我自己最期待的，是一些关于古代文人的作品。这方面华人影坛几乎是空白。我指的古代文人，其实选材面很广，诗人、词人方面，李白、杜甫、苏轼等等都是家喻户晓而且本身的经历都相当戏剧化的代表性文人。特别是李白，他自己的一生就已经好象小说一般，而且还牵连到唐明王、杨贵妃。苏轼可能人生没有李白的那么跌宕起伏，但他的作品在民间的人气我觉得是高于李白的诗词的，毕竟宋词比较通俗和较多关于平民情感的抒发，而不像唐诗那样主要关于文人本身。而宋代词人里面，其实我自己最感兴趣的，是最有庶民情感、而且对宋词有革命性贡献的柳永。“今宵酒醒何处，杨柳岸、晓风残月。”这首千古绝唱《雨 霖 铃》被历代中国文人认为是婉约派宋词的顶峰之作。而且我对柳永感兴趣的地方，是因为他一直担任地方官，流连于乡野坊间，跟很多平民、甚至青楼女子都交往甚密，所以透过他可以带出很多的故事，反映一个时代的风貌。感觉会有点像《Shakespeare in Love 》《莎翁情诗》那样文学与庶民生活相交融的作品。

除了传统文人之外，其实我还对传统艺人，特别是街头艺人的生涯很有兴趣。但可惜，在中国的传统里面，向来重文轻艺，对演艺人员的“戏子”称呼就是一个写照。可能到今天，很多较传统的家长都还觉得加入娱乐圈，做一个演员不是一份怎么光彩的职业，更加不像欧洲和英美那样将演员堪称一份很专业的职业。但所谓戏如人生，艺人的生活其实比一般人的人生更多波折起伏，更具戏剧性成分。特别是街头艺人，他们还要面对世人的冷嘲热讽，厚着脸皮混个三餐一宿。其实同类型的作品，日韩都有相当多的大师专门去explore。韩国的林权泽就有多部作品都是关于韩国传统说唱艺人的，其中《西服便》更加是他的代表作之一。他的最近一部作品《千纸鹤》也是关于这个题材。而日本大师小津安次郎更加将艺人的生涯对比“浮草”，拍出感人至深的《浮草物语》。泰国上年也有一部《最后的木琴师》，描写泰国历史上一个享有盛名的宫廷乐师的一生。

华语影坛拍过较多的是戏曲艺人的作品，特别是京剧和粤剧。但民间街头艺人，好像评弹、三弦艺人、最传奇的二胡大师阿炳等等富于戏剧元素的题材却鲜有人问津。这个未免让我觉得有点遗憾，也希望中国影人们能够早日走出旧上海、三国这样豪华但难有新意的题材，多关注一些更能体现中国文化内在底蕴的题材。

继续关于《色戒》的预想：角色设定和取材角度

《色戒》果然是近期华语片万众期待的作品，近日无论平时关不关注华语影坛的朋友都自觉加入讨论中。现在将一些观点和资料整合一下。

首先是黃格子 ：

我見到阿朝偉第一下的感覺有點像《花樣年華》，我明白背景是昔日的舊上海，但正如ｒｏｂｉｎ所說，看得多類似的舊上海背景的電影，感覺有點抗拒。

李安表示，因為《色戒》整部片都押在王佳芝身上，所以希望先確定人選，然后再根據她，尋找搭配人選。像舒淇、關穎、周迅、張靜初(blog)、章子怡等成名女星各有優缺點，他希望先從沒見過的談，像是大S，或是一些學校女學生。

　　不過，李安坦言，因為張愛玲把王佳芝描寫得太“小說”了，所以要找到完美人選，難度實在很高。他說，演王佳芝有五大條件，“年齡19至23歲，身高164至168厘米，魔鬼身材，聰慧過人，氣質高雅古典，更要有演技，色藝俱佳。”他感嘆說，華語影壇一些有表演素質的女星，大多都二十六七歲了。但做事情總要妥協，如果角色條件真湊不全，就勢必在演員年紀等方面妥協。”

　　在《色戒》中，有3個最重要的人物，分別是女主角王佳芝，以及協助她密謀刺殺漢奸的大學男同學，另外就是女主角准備色誘刺殺的汪精衛政權情報頭子。依李安的想法，女主角和她的男同學最好都能由新人出演。

資料轉載　http://hk.knowledge.yahoo.com/question/?qid=7006071903486

凭资料的描述，李安的选角标准似乎是要尽量远离张爱玲小说原著的影响，而将王佳芝这个角色简化，尽量突出其纯真一面，可能会处理得比较像melodrama，突出乱世真情之类的中心吧。不过这些只是猜测而已。当然新人也会可塑性较高，较有新鲜感。

但如果李安过分简化这个controversial的女主角，始终会让电影失去很多原著的神韵，甚至让看惯关锦鹏、王家卫的观众，还有一众张爱玲的追随者觉得失望。

然后是erica和Shirlie关于去才：

erica 2007/07/15 03:50:22

 

看完 色戒 的預告, 感覺是很陳舊的二戰女間諜愛上要刺殺的男人那樣的故事, 好像這類故事看過很多遍了. 李安現在還拍這種 n 年前張愛鈴的小說, 我覺得還不如去重拍 "還珠格格" 更有綽頭吧.

shirlie 2007/07/15 15:22:47

 

我個人覺得同一個故事，拍在不同導演的手裏會有不同效果。

我个人的感觉是，同样是张爱玲小说，同样以汉奸为主角，《色戒》的小说比起《滚滚红尘》那样较纯爱的设定似乎感觉更后现代，强调色欲lust对人性的侵蚀作用。但预告片中太多关于二战的斗争场面，那幕惊心动魄的床戏又似乎没有很多日韩的色欲大师处理得大胆。那个背部全裸的镜头可能华语片中出现的较少，但欧洲片里面其实很经常有类似镜头出现来体现高潮之后女主角的复杂心态。所以我有点担心这部万众瞩目的《色戒》会变成“四不像”，情感戏方面延续一点台式言情、斗争戏方面是抗日爱国片设定、然后再加一点欧式的亲热镜头和华丽用镜。

李安似乎比较精于将一些复杂的情感简单化和通俗化，Brokeback Mountain就是这样的成功例子，将同性恋者的情感世界用世人惯常的情爱思维去诠释，确实功力超群。但现在要拍《色戒》这样间杂在民族大义和爱恨情仇之间，又用色欲性爱包装的爱情故事，怎样才拍得落入连续剧般的俗套，同时又减少小说中过分虚幻的描写做到雅俗共赏、而不是王家卫式的自我陶醉，确实很考验李安的功力。如果李安的立足点是拍给外国人看的二战时期旧上海的奇情故事，那可能类似Brokeback Mountain那样的melodrama设定是一个不错的选择。但如果他希望华语市场都有同样的反响，恐怕连续剧式的简化是非常不够的。

李安新片《色戒》预热：预告片与原著

被Shirlie撩起对《色戒》的兴趣，专门上网找色戒原著来看。虽然还没看完，不过比较了一下预告片，有以下的感受。

可能同类型的上海滩抗日特务片看得太多，《色戒》的预告片感觉上似乎少了一点玄味，而多了抗日救亡的爱国片感觉，跟《花样年华》那种色彩感相比有点逊色，而且汤维感觉也太ordinary了一点，少了一点走南闯北、周旋于阔太间卖货的商贩那种风尘味，跟梁朝伟拍在一起一个太奸、一个感觉太稚嫩。当然这只是trailor。

可能有点“事后诸葛”，不过看过预告片之后，似乎还是觉得女主角用章子仪或者林熙蕾要比初出茅庐的汤维好，汤维穿起旗袍感觉很“妹仔”。可能李安是想突出角色的单纯一面，但张爱玲小说的女主角没有一种万人迷式的妩媚和很强的自我意识，感觉就像缺了点东西。

Shirlie的回应是她覺得李安在處理細節上很奧妙，并点出二個鏡頭：

第一個鏡頭是湯唯遇上梁朝偉後是換了髮型的，暗示她要改造自己去謀求目的。

第二個鏡頭是湯唯背部全裸的望向窗外，雖然是背影，但顯示出李安在處理呢段關係中留下伏筆 - 她對漢奸的感情變得複雜了，是混雜了愛與恨。

关于换发型，我自己觉得应该是剧情需要。原著里面，汤维的角色就是从一个学生妹，变身成为了家里做出入口买卖的商家的千金，借机接近梁朝伟演的汉奸。所以预告片里面也有一段汤维从很老土、毛衣外套、长波浪的学生妹换上旗袍、丝袜、set发来化身名媛。我觉得关于旧上海的戏，特别是关于上流社会的，极尽奢华的服饰、室内陈设等等应该是基本功来的了，要不就不是旧上海了。

略略看过原著，发觉有一点我很有兴趣的，就是故事聚焦的，是当时乱世中很独特的一群，就是汪精卫傀儡政权中那些高官在上海的奢华生活。前线战场战火纷飞，但沦陷区的上海虽然物资短缺，但那些上流阔太竟然还可以过奢靡的欧洲宫廷式生活。特别是一开场的牌局，就是一场“戒指展览会”，各式宝石、钻戒、翡翠，加上质地一流的旗袍、当时价格奇高的大条金链却用来当外衣的衣扣，大幅落地窗帘还要是欧洲进口。大白天却放下窗帘，室内打起大光灯，照得麻将桌上的牌好像火钻一样亮。一开场就勾勒出一个很浓烈的异色世界，每样物件都描述得不厌其详，用文字去刺激读者的视觉感官。所以我自己很期待李安怎么用镜头去塑造这个诡异而扭曲的浮华时代。

但就预告片来看，似乎李安更着重抗日、民族存亡这些大是大非，反而张爱玲很着意去营造的这些奢靡的风情却不见踪影。虽然最终的版本应该会有所覆盖，但如果主线太着重于完成那个mission，我觉得就有点偏离原著的主旨了。

而女主角与汉奸的爱恨缠绵，自然是整部作品的中心，不过王力宏的角色也不容小视。这似乎是较原著加重的一个角色，不知道李安怎样用他的角色。是一个爱情竞逐者还是一个受害者呢，但应该可以想见李安刻意让王力宏加入，加上他的纯情王子的形象，应该是一个较单纯的角色，或者是想加重戏中感情的伤痛一面吧。

当然以上只是针对1分46秒的预告片作的推断，最终的作品如何，还有待今年秋季的全球公映。

从新加坡日本电影节看电影的文化功能

       在好友的blog上面看到这样的留言：

       “近期認識了位日本uncle. 我問他喜歡看什麼日本電影, 我以為我應憑著自己的日影認識應可以交談, 怎料他說他不喜歡看日本電影, 只是會看美國片. 我又說日本動畫 vs 美國動畫呢, 他又說覺得美國動畫較好看, 我便搬 gabin 那套 "日本動畫重故事, 美國重 cg" 的大道理出來說, 但人家明顯對這話題都不大有興趣. 原本我想問他對於 nhk 大河的看法, 但還是不要推了, 再推便失禮. 我一定不會和他們說日劇, 因為自己要BT看日劇, 無謂讓人知道的了, 不是太光彩”

        无独有偶，我这个月买的今年六月刊号的《日经entertainment》杂志有评选平成年间（现在的日本天皇的年号）十多年来百部经典电影的企划，我看到这个标题的时候还以为是盘点这十多年的重要日本电影作品，所以专门买了一本，谁知拆开一看，才发现原来这里所讲的评选，是包括在日本公映的美国片，而且美国片还是主导，所以这个所谓经典评选就包括了很多，好像《Pretty Woman》、《Seattle Sleepless》、《Back to future》、《Harry Porter》这样的著名美国片。文章里面还专门列出美国片为主导的洋画（外国电影）在平成年间的市场份额的变化，从平成年刚开始时少于50%一直攀升，到好像01、02年间达到顶峰的超过70%，之后又慢慢回落至上年低于50%，不过今年可能又会再次超过邦画（日本本土电影）。

        有时人很奇怪，越接近的东西越会抗拒。可能在日本长大、在日本社会生活要承受很多日本式的条条框框，所以对日本电影或者日本的事物多多少少有点厌恶心。所以美国片的快节奏和较跌宕起伏的剧情容易征服为生活疲于奔命的日本人的心。

        但当人离开自己故土之后，反而会出现对自己本源的依恋和重新重视。作为新加坡数量最多的外籍专业人士社群的日本人在新加坡对待本国影视的态度，就跟他们在本土生活的同胞形成颇为有趣的对照。

        新加坡每年都有接近十部的日本电影在院线公映，有时甚至更多。虽然大部分会是恐怖片，但也不乏一些日本本土气息很浓的作品，好像今年就有《Udon》、《Hula Girls》、《超越时空的少女》等片。我在新加坡看过的一些日本本土特色重的日本电影场次，好像《海猿2》、《Udon》，几乎每次都可以看到不少日本人一家大小或者三五知己来捧场，有时更加大半个戏院都是日本人在观看；而每年的日本电影节，更加是日本人汇聚的重要活动。到场观影的日本人，从几岁大喜欢到处跑的小孩子、二十多岁的年轻人到三四十岁的主妇和丈夫（有时身居要职的丈夫不一定有时间带家人来，所以更常见是主妇带着孩子前来）、甚至是头发花白的老年夫妇都有。上年的电影节，剧场外常常看到不同的家庭之间互相鞠躬行礼、做挨拶 （打招呼）。相熟的大人也会专门带小孩来观看，然后看完戏一起去饭聚。我还见到有日本人是像我这样，几乎买下所有场次的票，每场必到、从头看到尾的。所以感觉去看这个电影节不纯粹是一个电影活动，还像是一个观摩在新日本人生活方式的一个文化聚会。
而另一个例子，是我之前看过一本关于旅居新加坡的单身日本女子的书里面提到，她们在海外生活久了，反而更着意保留自己的日本根源，好像在日本国内可能她们一年到头都不怎么看NHK（类似港台一样的日本公共电视网络）的节目，但反而到了海外却会花钱subscribe NHK的海外频道，而休假日也会三五好友聚在一起做日本料理来共聚乡情。

        法国新浪潮教父Andre Bazin认为电影最终会像电视那样，带有一些cultural function，是展示一个国家文化的窗口。所以看电影除了是娱乐和艺术以外，同时也是接触和吸收一个国家文化很好的媒介。我觉得日本电影在这方面就很典型，一方面日本电影经常会在日本各地不同的县市取景，好像六月上画的三部日本电影就分别在北部的仙台、首都东京和关西的京都取景；另一方面，日本电影经常会以日本的传统风俗和各地不同的生活模式为素材，好像《眉山》里面的祭祀，「舞妓Haaaan!!!」的伝統芸能 文化，《鬼太郎》和《Dororo》则是日本古时的神话传说的现代再造。所以，我自己喜欢和陶醉于日本电影之中的原因，除了较独特的东方式美学观之外，还有就是对日本文化一份特别的好感。

跟亚洲电影一起活在当下，不可以吗？

看电影作兴趣十多年，认识erica之后才开始意识到，做人是要成长的，做影迷也是要成长的，所以开始读电影理论；蜻蜓点水般浏览各家著作，却是在认识Shirlie之后才发觉，除了饱览各家经典之外，我还需要清楚自己想从电影中得到什么，我又需要怎样的cinema，想影人们为我呈现什么、讲怎样的故事、刻画怎样的角色、体现怎样的主题、推进怎样的美学观点。要钻研一件事、做research永远是痛苦的，我自己假假地都算做research做了两三年，早就明白research永远没有绝对的黑与白，技术也没有完全的优与劣之分，只是看在怎样的情况之下不同的取舍问题。就好像数据储存，就有光学的DVD、blueray，用磁体的HDD，用半导体技术的flash盘。随着mp3、mp4这些数码影音产品的普及，flash盘似乎成为越来越主流的储存媒介，但是不是说flash盘会完全取代硬盘HDD呢？研究磁性材料的技术人肯定不会这样认为，而且硬盘也已经向Terabite迈进，可能几年之后，我的所有日剧收藏都可以塞进单一只硬盘里面了。

当然科技同艺术是不可能有完全的parallel的，科技虽然受市场因素左右，但起码有很多rationale可以讲，但艺术则不然，反之，比起单一标准，艺术更需要多样性（diversity）。以电影来说，有美国的standard、欧洲的standard，我认为同样可以有亚洲自己的观点和标准，虽然电影是欧美人发明的玩意。也是抱着这样的观点，我才不觉得自己倾向较弱势的亚洲电影美学是狭窄的态度。因为我也看美国的和欧洲的电影，不论是无可避免还是主动去吸取，欧美的经典始终是重要的源头，提供很多方法和灵感。但讲到subject matter和审美观，我会皈依亚洲的本源。

有次跟一个很熟的师弟聊起来，那时候刚看完《东京物语》，思潮起伏之下想跟他分享，但他的回应却是很冷淡：五六十年代的手法和戏路可以解决现在的问题吗，我更令宁愿活在当下，关心一下可以吸引人买票入场看的电影。活在当下，非常让人难以辩驳的理由，一下子令重温经典的我显得那么吃古不化。但我马上想到一个回应。对，人要活在当下，既然要活在当下，为什么一定要入场看跟现在的世界已经没任何关系、发生在几十世纪之前的故事（《加勒比海盗》、《300》、《史立克》），又或者同样跟我自己的生活没什么联系的、到我离开这个世界也不会发生的故事（《变形金刚》、《Fantasy 4》）？为什么我看虽然拍摄在五六十年代、但跟我的生活经历有众多联系和共鸣的《东京物语》反而让人觉得我不是活在当下？

虽然电影比起可以更天马行空的文学和美术有更多科技的成分，需要有更多know-how和技术，但我还是较倾向于首先从素材和中心的角度来考量一部作品，就是这部作品讲的是怎样的故事，有怎样的universal的人文价值，反映怎样的社会现实、生存状态和人性本质。我的口味是较为现实主义一点。不过也不表示我不关心画面、构图、演出、剪接这些technique的部分，也只有这些部分都做得好才能令电影作品可以充分地展现，只是我不太执著于电影要玩弄怎样的mise en scene上面的magic。

我所认同的最优秀的作品应该是反映时代的声音的，就算不直接包括social commentary，也会令观众confront the reality，就是所谓的直面人生，这才是最为艺术工作者活在当下的态度。所以，电影史上最黄金的五六七十年代也是电影人最活在当下的时代，因为无论在美国、欧洲还是日本，电影人都热衷于用镜头反映最原生质的社会和人物，到处都是“新浪潮”之风，用电影去和应当时种种定义现代社会和意识的运动，让电影成为一股文化力量。现在的影人反而只能去回溯前人所处的风起云涌的时代。但每个时代总有自己的特征和自己的题材，虽然很多人认为现在是techno时代，科技是主流而不是意识形态。但我倒觉得技术怎样跟人互动和交融反而是更有趣的题材，而不是玩弄科技就等于反映techno时代的时代之声。好像并不为观众和影评人受乐的《The Fountain》，我倒是欣赏导演不顾平衡性、跨时空地探讨用科技和超自然力量去追求永恒生命的主题。虽然技术上并不成功，但却有一种visionary和较为普遍的人文价值，直接切入跟人类社会相关的一些永恒话题。

相较于五六十年代整个电影产业的现实主义态度，先今世代，最现实主义的，恐怕就是慢慢兴起的自拍和独立电影运动。我所指的自拍是指业余和一些入门级的film-maker用hand-held摄影机所做的短片和小型project，虽然技术上可能粗糙不堪，但他们镜头所纪录的故事却是最真实和最接近现实的。而当业余的或者跨领域的film-maker再进一步，自己筹集资金制作不同于专业studio模式的作品，就成了独立电影的一分子。亚洲的indie film可能没美国和欧洲那么成气候，但不乏追随者。无论是在日本、中国、香港、台湾还是东南亚、南亚和西亚，都有相当怀有这样理想的影人涌现。他们或者是始于纪录片、或者是docudrama(介乎于纪录片和剧情片之间的电影类型)、或者是非常小规模的剧情片。不在乎技巧和画面上的完美，而更着重反映现实的力度，带我们走向许多鲜为人知的社会角落，这样的作品往往带出相当多的反思和惊喜。

电影对于我来说不是一个game或者只是一种消遣，我更觉得电影是一个媒介、是另一种看待现实社会的视角，不同于较虚幻的学术与文字、也不同于电视大众媒体的中和角度，而是能够更直面现实和人生，带出更多反思的一个媒介。无论是丑陋还是美好，伟大还是渺小，只要是够质感的，就是美丽的。

亞洲新邊緣人电影？----『刺青』带给我的怀旧感受

『刺青』如果作为一部同志电影恐怕真的是乏善可陈，虽然亚洲似乎还较少影响较大的女同志电影，比起男导演镜下赤裸裸、甚至血淋淋的同志世界，女导演多多少少总会带点温文尔雅的触感，比起男新秀导演往往会有点强烈个人风格的定义，女导演往往会多重视剧情和情感上的细腻来取胜。而『刺青』这部戏的导演周美玲明显受日本文化影响甚大，这种女性触觉就更加明显了。而这样的中和处理对于同志题材来说就未免显得幼稚了。

《刺青》中处理得甜丝丝而且似有若无的边沿人同志恋

其实换个角度，如果从少女的成长印记来看这部电影，其实我觉得还不算一部很差的电影。杨承琳的萝莉角色明显是上户彩在《Install》里面的视讯女郎的延续，而刺青则是借用岩井俊二的《燕尾蝶》里面对刺青的寓意。但比起《Install》里面上户彩跟神木隆之介的成长双打、《燕尾蝶》里面的燃烧青春，『刺青』里面的成长和青春都很牵强，但将萝莉和刺青族这两个本来代表柔刚两个极端的城市异类拉到一起，一方面像是《Nana》的城市邊緣人再加同志版的搞笑堆叠，另一方面又多少带出一幅都市新邊緣人聚合的图景。这样的配搭还是能够带给我一点怀旧满足感，因为曾经何时，电影在我眼中就是为邊緣人呼喊的艺术。

其实怎么定义邊緣人这个概念，恐怕真是众说纷纭，我个人的理解就是在某个方面游离于社会常态之外，带有一点受难者性质的群体。粗略来分，或者可以分为以下三类（非学术和专业分析，纯粹个人见解）：

1. 身份不被社会接纳或者处于弱势得不到同其他公民同样权益的一群，好像非法移民、外劳或者中国各大城市都会存在的农民工；
   
2. 经济能力上面远低于正常的人群、或者要以非法手段谋生而不得不生活在自己的圈子中，最常见的就是扒手党，他们的边沿地位可以体现在游离于合法社会和非法的黑道社会之间的灰色地带，日本的homeless一族也可以归入这类；
   
3. 另一种则是跟文化和科技相依托的边缘人，就是推崇某种文化或信仰、或依托科技、并采取跟主流社会较不妥协的生活态度的另类人群。早期的hippies、朋克一族、同志一族、《刺青》和《Install》里面的视讯女郎、日本、台湾、香港甚至新加坡的电话和网络招呼情人、靠盗取他人在网络游戏上的虚拟资金为生的人等等，应该都可归入这类。

虽然关于边沿人的电影以主流电影姿态出现也并非少数，特别是近期关于techno时代的边缘人的电影，例如『刺青』和《Install》，但真正尖锐和深入的作品恐怕多数都会以cult和独立制作为主要属性。近年较有影响的有是枝裕和的《誰知赤子心》和贾章柯的《小武》，而很多cult影人的作品往往都会演出边沿人的角色，好像淺野忠信 经常演出的杀手或者城市游民、松田龍平 的叛逆少年等等。

近年新加坡也有不少新导演用边沿人题材推出自己的debut作，好像Eric Khoo关于面摊小贩跟妓女之恋的《Mee Pok Man》、陈子谦(Royston Tan)关于边缘少年的《15》、Kelvin Tong的Eating Air (吃风)。虽然个人觉得这些接受英文教育的导演有点将角色过于边沿化，不过他们的大胆和作品的探索性还是值得欣赏。

现在只能蜻蜓点水，迟些做好功课一定再深入一点介绍，因为是我长期关注的题材。

新加坡新锐导演的处女长片海报

听A.O. Scott点评国际电影：介绍《纽约时报》的视频影评

美国有很多专业影评人和以专业评论著称的报刊，好像《Chicago Sun-times》的Ebert Roger、《综艺》（Variety）、《L.A. Weekly》等等，但我自己最情有独钟的，却是被称为“花白妇人”("Gray Lady")的纽约时报。理由很简单，因为纽约是美国最国际化的大都市，有很多不同国籍的人居住，文化潮流很很有包容力；而且因为处于东岸，靠近欧洲大陆，容易接收来自欧洲的文化潮流。而且纽约是影史上不朽的电影之城。虽然Hollywood在西岸，但一直以来以纽约为背景的经典电影是远多于以L.A.或者三藩市为背景的作品的。

作为美国最大的都市报章，《纽约时报》的电影栏目除了能反映出纽约人的电影口味外，也能折射出世界影坛的态势。《纽约时报》的首席影评人A.O. Scott，父亲是一个著名的历史学者，他自己也是哈佛文学系的高材生。他的评论比起较为通俗化的Ebert Roger，学院派味道较浓，同时也反映出纽约的国际气息，对跟Hollywood风格迥异的外国作品都有相当程度的理解力和包容性。

纽约时报的视频影评网址是：http://video.on.nytimes.com/，登入后点左边的Art栏目，然后再点movie。那里的评论每天都有更新，好像今天就新增了《华氏911》的导演Michael Moore的新作《Sicko》、Brad Pitt和Angella Jolie夫妇做制片的关于《Wall Street Journal》记者在巴基斯坦被绑架事件的《Mighty Heart》，还有一部法语片《Lady Chatterlay》。每个视频大概3到4分钟，有精华片断又有A.O. Scott的短评，非常interactive。而且这个site的视频是连续播放的，可以一次过看齐很多要较迟才可以在亚洲上画甚至可能不会在亚洲上的作品的片断和介绍，感觉满爽的。今天的首页上12个视频就有7部作品是美国以外的国家制作，其中5部不是英文片，覆盖法国、德国、爱尔兰、意大利、罗马尼亚、纽新兰、马来西亚等国，而且这些片都不是推出DVD的作品，而是正在纽约上画的电影，纽约人电影选择之丰富，可见一斑。

这十二部作品中，意大利电影《Golden Door》和台湾名导蔡明亮重返故乡吉隆坡拍摄的《黑眼圈》（I don't want to sleep alone）我之前都看过，所以对A.O. Scott的评价更有体会。

好像《Golden Door》，A.O. Scott就点出片中的一班来自旧式农业社会的西西里人怎样令自己脱胎换骨融入美国这个新世界的历程，"The director has remarkable eyes，he uses striking tempo, brings out the strangeness, fear, exhaustion and excitment, all the experience these people need to experience during the journey not so long ago. It's not long ago at all" 非常精练而到位的概括。

而关于蔡明亮，A.O. Scott的评价也很中肯和不太带有steretyping。蔡明亮是以接近默片的风格和引人入胜的画面触感著名的，所以A.O. Scott认为他的这部《黑眼圈》"Unforgettable", "may seem strange at the beginning and takes some time to get used to. but once you are familiar, everything turns out so natural like home" "It gives you dream-like haunting experience and everytime you need to go back to see what actually the experience was." 的确蔡明亮的画面可以在观众脑海中停留很久，而且屡屡跃然你的眼前，让你想再次进入他的电影世界去再次感受和看清楚那个画面。他不会故意带给观众某个瞬间的强烈情感，而是一连串缓慢、悠长的静态镜头，而他作品的魅力正在于这些画面串联而成的弥幻弥真的意境。

而新片中，有两部作品的介绍非常吸引我。

第一部是以爱尔兰的都柏林为背景，讲述一个流浪歌手和一个来自捷克的女新移民共同从事音乐创作的故事的《Once》。

A.O. Scott的评价是“The music takes earnest style." "The actor's performance animates the film. You can see how much they care about the project and it gives you something to care about." "The characters are so real. nothing overdone about. but it just works. It keeps you in a delicious kind of suspense. You just can't get your eyes from these people. This is their life after all " "You are not so sure how the film really ends up, but once it really ends, you think you really see  something and it's wonderful and almost perfect." 这些评价很像我上年看的日片《Linda!Linda!Linda!》给我的感受。同样是不太戏剧化的、接近现实的人物设定和事件，不太有野心的题材和手法，同样关于不同国籍的人因为对音乐的共同热爱而聚到一起，同样用一种不太带有感情色彩的第三者视觉去观察一班高中女生的寻常故事，但却有一种closeup般的细腻质感。而角色也是非常有真实感，因为他们不像在演戏，而像真的活在戏中，跟来自其他国家的留学生沟通、共同为一个演出而努力、不经意间爆出的笑料，并不hard press、但却生气盎然、充满趣味的青春岁月。非常自然的演戏却真的有真实生活般的即兴性，情节简单却让人一直期待故事的最终结局，是我近年看过的最有真实感、同时又最有惊喜的青春题材电影，像纪录片，但却戏力丰富。

即兴性很强的《Linda!Linda!Linda!》

另外一部是上年康城影展的最佳首部电影（Best First Film），罗马尼亚电影《12:08 East of Bucharest》。这部戏非常有创意地用一个很少有影人用过的视觉来反映历史事件：就是民众对事件理解的模糊性。故事是讲述罗马尼亚一个小镇上的居民在80年代一个推翻独裁者的大事件后16年再次聚首，回忆当时发生过的点点滴滴，却发现对于事件的回忆是众说纷纭、各自各演绎。的确，对于不是直接参与事件的民众来说，他们自然是从自己的立场和思考角度去解读身边发生的一切。但他们才是历史的亲历者。所以，比起自上以下评述的历史学家，民众的观感更有真实感，但同时也更模糊，毕竟每人只是看到很局限的一部分历史。但这种模糊性用在电影中却是非常绝妙的戏剧元素。

亚洲电影月重临！日本动画双响「時をかける少女」和 paprika 「妄想代理人」

经过好几个星期荷里活大片的疲劳轰炸，终于再有进戏院的冲动喽！终于有机会转转口味，看一些我会自愿买票入场看、而不是因为其他人看而要看的戏喽！

刚才查院线不日上影片栏时，最大的惊喜莫过于上年日本的最佳动画片『時をかける少女』 （《超越时空的少女》）即将在新加坡上映！印象中上一次日本动画可以进入院线已经是《哈尔的移动城堡》了，连《地海传说》都没有上，反而每部荷里活动画都几乎同步上，感觉是很不爽的。不过片商这次总算对影迷有交待，找来了两部相当有创意的日本动画，除了『時をかける少女』之外，入围威尼斯影展的《PAPRIKA》也很快就会上映，虽然两部的档期应该都不会长，但起码多了选择。以前要看这样的cult动画，通常只能等电影节。

《超越时空的少女》画风是不是觉得很清新明快？会不会勾起你某个难忘的梦幻暑假的回忆？我就回想起以前深夜看明珠台的宫崎骏名作《梦幻街少女》时的曼妙感觉。同样是关于一个活跃少女的夏季冒险，《超越时空的少女》讲一个少女掉进时空间隙，在不同时空中转换，遇到不同的人和事的经历。不知道这部动画又会让我留下怎样的印象？

原来这部动画是改编自六七十年代的著名小说，83年（我出生的年份）就有过真人版电影，由当时的玉女偶像

原田知世主演，看海报似乎mystery的成分很重。

而科幻动画《Paprika》(英文红辣椒的意思，日文标题是

「妄想代理人」）就更加悬疑。故事是关于科学家研制出一台可以进入人类梦境的机器，本意是要用来帮助病人克服心魔，但这台机器的被盗却令人类社会进入大危机。而可以停止这场灾难的人，只有这个绰号“Paprika”的女治疗师。情节有点像我上个月看的一部日本恐怖片《恶梦侦探》（歌手hitomi主演）。这部动画的导演今敏（Kon Satoshi）同《噩梦侦探》的导演塚本晋也都是日本cult电影界的知名人士。今敏的前作［千年女優］和“Perfect Blue”都在海外众多影展巡演过。